La revue PPGA-UFES Colloquium d'art et de recherche, ou Revista do Colóquio, apparaît comme un espace de publication d'articles, de rapports d'expériences et d'essais visuels réalisés dans le domaine des arts et des domaines connexes. Ouvert à recevoir des propositions en portugais, espagnol, français et anglais, Coloquio défend le renforcement d'une communauté académique à travers le croisement d'idées et le maintien d'un regard critique sur la production de l'Art.
Les auteurs des œuvres soumises à Revista do Colóquio autorisent leur publication sur des supports physiques et électroniques, uniquement à des fins académiques, et peuvent être reproduites à condition de citer la source. Ils attestent de leur originalité, de leur paternité et de leur originalité. Les auteurs conservent l'intégralité de leurs droits d'auteur et de publication sans restriction.
Le numéro 27 de la Revue du Colloque rassemble des recherches et des productions qui présentent différentes approches de l'art, de la culture, du langage, de la mémoire, de la ville et des processus créatifs. Les textes qui composent ce volume mettent en lumière la diversité des approches présentes dans le champ des arts et réunissent analyses historiques, réflexions théoriques, études sur les pratiques contemporaines, expériences de médiation et essais visuels. Nous avons rassemblé des contributions qui partent d'objets et de contextes différents, mais qui partagent un intérêt commun pour la compréhension de la manière dont les pratiques artistiques créent des relations avec leurs espaces de diffusion, leurs publics et leurs répertoires symboliques.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Editores (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cem A. diagnostique le climat institutionnel actuel d'alignement moral doux, dans lequel l'art pointe vers la politique sans la difficulté d'être politique, proposant l'empathie stratégique comme solution possible.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Cem A. (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article analyse *Art à l'honneur* de Carlos Drummond de Andrade, en mettant en lumière la poésie comme forme originale de critique d'art. Son objectif est d'étudier comment l'œuvre poétique de Drummond sert d'instrument d'interprétation et de recréation des arts visuels. La méthodologie repose sur l'analyse des poèmes, des peintures et des sculptures qui les ont inspirés, articulée avec des références théoriques et critiques sur le sujet. L'étude démontre comment le mot et l'image s'entremêlent dans la construction du sens, enrichissant l'expérience esthétique du lecteur. En privilégiant une approche sensible et réflexive, l'article révèle la puissance de la poésie comme langage critique capable de questionner les discours historiques et visuels. Dans ce contexte, la dimension éthique de l'écriture de Drummond se distingue, transformant la contemplation artistique en une réflexion sur la condition humaine.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Rodrigo dos Santos Dantas da Silva, Roney Jesus Ribeiro (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L'article analyse les relations entre art, ville et paysage de la VIIIe Salão Bienal do Mar : Vagues, ponts et interventions navigables (2008/2009), une exposition d'art public contemporain organisée à Vitória, Espírito Santo (BR). Basée sur une recherche documentaire et une analyse critique, l'étude examine les œuvres Nous voyons la ville comme la ville nous voit, de Heraldo Ferreira ; Le silence du marteau, de Fabrício Carvalho ; Caminho das Águas, de Piatan Lube ; et O Retorno de Araribóia, du Coletivo Maruípe. L'enquête cherche à comprendre comment ces interventions s'insèrent dans l'espace urbain, parlant de la mer, pour la mer et de la mer, et agissent sur le paysage, en interférant, de différentes manières, dans les couches mémorielles, institutionnelles et symboliques de la ville.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Douglas Gomes Silva (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La our d'Ismaïlia entre les failles du temps
Cet essai visuel présente la performance photographique intitulée « La Tour d'Ismaïlia entre les failles du temps ». L'œuvre établit un lien entre les éléments symboliques du poème Ismaïlia (Guimarães, 1963) et l'effondrement de l'église Notre-Dame de Bethléem à Viana, dans l'État d'Espírito Santo. L'occupation des ruines apparaît comme une voie possible pour nourrir de nouveaux imaginaires, invitant le public à percevoir les métaphores et analogies établies dans cette démarche symbolique.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Sarah Rodrigues Damiani, Stela Maris Sanmartin (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La mélancolie comme inflexion esthétique chez Clarice Lispector
Cet article analyse les effets de la mélancolie comme forme de lucidité, potentialisée par les expérimentations esthétiques d’Água Viva (1973) et dans la correspondance de Clarice Lispector. Tandis que l’ouvrage explore le langage littéraire en dialogue avec la peinture et l’abstraction plastique, les lettres utilisent cette densité comme une résistance au malaise et comme moteur de questionnements ontologiques. Ces deux dimensions déploient une esthétique qui transmue la douleur et l’angoisse en force critique par la réflexion.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Gaspar Paz, Thaynah Bettini (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O artigo analisa a exposição CriAtivAção (UFES, 2024) a partir da perspectiva sistêmica da criatividade de Csikszentmihalyi (1998), que a compreende como fenômeno relacional entre pessoa, domínio e campo, apontando o processo curatorial como instância mediadora e legitimadora dos processos criativos desenvolvidos pelo Grupo de Extensão e Pesquisa em Criatividade, Educação e Arte (GEPCEAr) para a exposição. Por meio da análise dos trabalhos de Stela Maris Sanmartin e Sarah Rodrigues Damiani, evidencia-se como a identidade do artista-professor-pesquisador se constitui na intersecção entre processos de investigação teórica e prática na emergência da criação e observa-se que a exposição opera como dispositivo de reconhecimento institucional e de ativação de identidades híbridas, nas quais produzir, ensinar e pesquisar configuram dimensões indissociáveis.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Leonardo Borges Lelé, Stela Maris Sanmartin (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet essai visuel se situe comme un déploiement de ma recherche Revê-la (2023), en explorant le corps comme un champ instable de passage. L’objectif est de comprendre comment la réactivation performative produit des variations à partir de gestes de retrait, de fonte et de recomposition. L’approche méthodologique articule la re-performance, la pratique processuelle et l’enregistrement photographique comme des coupes de l’événement. Comme résultats, la cire apparaît comme une matière d’impermanence, et le geste répété comme producteur de différence. On conclut que le travail déplace la notion d’origine vers la continuité comme transformation, affirmant le processus comme un champ ouvert.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Tatiane Maira Oleinik (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article vise à analyser les processus de culture visuelle à l’œuvre dans l’art public à travers une compréhension systémique de la fresque « Notre village est » (Vitória/ES). Cette compréhension s’appuie sur la culture créative (Bosi), la conception de l’image comme construction culturelle (Monteiro) et les pratiques artistiques dans l’espace public (Furtado). L’œuvre est ainsi appréhendée comme un artefact culturel, reflétant les diversités et les tensions entre institutionnalisation et temporalité. L’article conclut que cette pratique tisse des liens relationnels, favorisant les récits socioculturels et territoriaux.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Bruno Bissoli Pimenta (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
El presente ensayo visual-fotográfico explora el teñido natural en Kusijata (Lago Titicaca, Bolivia) como saberes llamados “brujería”. Se entiende como poiesis, donde materia, intuición y creación se entrelazan. Describe una práctica guiada por experiencia, plantas del entorno y medidas no fijas. Se cuestiona su deslegitimación colonial y se destaca su dimensión comunitaria. Se concluye que es una relación sensible con el entorno para la creación.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Paola Tamara Videa Aramayo (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0