A Revista do Colóquio de Arte e Pesquisa do PPGA-UFES, ou Revista do Colóquio, surge como um espaço para publicação de artigos, relatos de experiência e ensaios visuais realizados no campo das Artes e áreas afins. Aberta para o recebimento de propostas em português, espanhol, francês e inglês, a Colóquio defende o fortalecimento de uma comunidade acadêmica através do entrecruzamento de ideias e da manutenção de uma visada crítica sobre a produção de arte.
Os autores de trabalhos submetidos à Revista do Colóquio autorizam sua publicação em meio físico e eletrônico, unicamente para fins acadêmicos, podendo ser reproduzidos desde que citada a fonte. Os mesmos, atestam sua orignalidade, autoria e ineditismo.
Esta edição da Revista do Colóquio mostra-se tão extensa e variada quanto a anterior, o que se relaciona com a continuidade da publicação e com a abertura do doutorado em artes do PPGA-UFES. Esse segundo ponto, no entanto, não significa que a Colóquio tenderá a fechar-se para recepção de trabalhos apenas de alunos de pós-graduação com estabelecerá qualquer limitação mínima de títulos para pessoas autoras. Permanecemos com nossa política editorial voltada para a amplitude de vozes e a pesquisa livre, dentro e fora da universidade. Como pode ser verificado em nossas edições anteriores, priorizamos a publicação de uma variedade de trabalhos que exploram a relação entre arte, sociedade e pensamento contemporâneo, em organizações que revelam um diálogo interdisciplinar entre as pesquisas. Nesse sentido, nosso processo editorial prioriza a complexidade dos fenômenos culturais atuais.
Copyright (c) 2025 Rodrigo Hipólito https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Este texto baseia-se na instalação sonora que criei para a exposição MUṬIKKAPPAṬĀTA (nov. 2024 – jan. 2025), no RAW Material Company – Center for art, knowledge, and society, como parte da Bienal de Dakar. Esta exposição é uma jornada pelos territórios íntimos de Nathalie Vairac (1972- ). A artista, radicada no Senegal, nascida na França de pai guadalupense e mãe indiana, traça sua ancestralidade e confronta a colonização. De volta à sua terra natal, ela escreve e grava. Vairac me convidou a escutar e cenografar suas palavras no espaço expositivo. Com a ajuda dos profissionais de som Deshays e Chattopadhyay, e o trabalho pioneiro da compositora Amacher, exploro estratégias expositivas para a voz falada gravada, especificamente a tensão entre a busca formal pela não linearidade e a linearidade inerente à escuta da voz, garantindo a preservação do significado.
Copyright (c) 2025 Laetitia Kozlova; Rodrigo Hipólito https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Esse artigo investiga uma vertente da pesquisa sobre o monumento a Dona Domingas, no caso específico, propõe uma análise a respeito da sua representação escultórica. Apesar de retratar imageticamente grande parte da população periférica de Vitória, a escultura, possui pouca receptividade social em função da percepção comum do “belo” por grande parte da população, não dialogando com o imaginário de beleza predominante, que em grande medida, considera a figura do jovem, representada nos monumentos, como sinônimo de beleza. Lançaremos luz a respeito das definições do “belo” em especial nas artes e na filosofia, a fim de compreender os motivos pelos quais esse monumento enfrenta essa desconexão com aqueles que deveriam estar indelevelmente atrelados a ele.
Copyright (c) 2025 Fabíola Fraga Nunes, Giuliano de Miranda, Aparecido José Cirillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O presente artigo analisa as relações entre memória coletiva e patrimônio cultural na arte contemporânea, utilizando uma abordagem comparativa entre duas obras: “Espaço de Continuidade” (2016), de João Cóser, e “La Bruja” (1981), de Cildo Meireles. Ambas exploram a construção e ressignificação de espaços públicos, com ênfase na interação e participação do público. A metodologia aplicada consiste na análise qualitativa e comparativa dos elementos materiais e simbólicos presentes nas intervenções artísticas. Os resultados sugerem que essas práticas artísticas funcionam como instrumentos de preservação e transmissão de memória cultural, conectando passado e presente, e reafirmando o potencial da arte contemporânea como legado cultural vivo, capaz de questionar os limites tradicionais da arte institucionalizada.
Copyright (c) 2025 João Victor Coser https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Na crônica que dedica ao Salão Nacional de Belas Artes de 1919, Antônio Vieira da Cunha tece uma crítica contundente à rigidez do academicismo da Escola Nacional de Belas Artes, cuja permanência comprometia a vitalidade da arte brasileira. Observando um panorama de estagnação criativa, o autor denuncia o apego das gerações de artistas a modelos europeus já exauridos, revelando um cenário em que a repetição formal sufoca qualquer possibilidade de renovação expressiva. Em contraponto a esse mimetismo, ele defende a urgência de um olhar voltado à singularidade da paisagem e da cultura nacional, apontando nelas um potencial fértil para linguagens artísticas mais autênticas. Vieira da Cunha evidencia as limitações do modelo pedagógico da ENBA, cuja ênfase excessiva na técnica sufoca a liberdade criativa e inviabiliza a formação de um pensamento artístico autônomo.
Copyright (c) 2025 Vanessa Vassoler, Almerinda Lopes https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O ensaio apresenta uma reflexão sobre a série “Inútil Paisagem” (2022), composta por desenhos realizados com tinta asfáltica sobre papel manteiga. As obras registram gestos diretos, evocando formações geológicas e explorando a relação entre matéria, tempo e procedimento. Inspirada no conceito de “procedimento”, de Raymond Roussel, a série investiga os limites do desenho como processo criativo. As imagens corporificadas afirmam a vitalidade da arte para além de sua existência material. A produção textual paralela integra-se como desdobramento da obra, ampliando seu campo de significação. O trabalho revela, assim, uma prática artística que une gesto, corpo e linguagem.
Copyright (c) 2025 Carlos Eduardo Ferreira Paula https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A arte como forma de transformação pessoal; ensaio visual referente ao trabalho da artista, que há anos fotografa sua mãe, uma mulher neurodiversa. O ensaio propõe a criação de um outro imaginário para o que seria a loucura estigmatizada pela sociedade. Um olhar afetuoso para um sofrimento mental e estrutural.
Copyright (c) 2025 Isabella Lanave https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Hibridismo estético e inovações no cinema de animação pós-moderno
A modernidade e a pós-modernidade são marcadas por rápidas transformações sociais e culturais, resultando em uma desconexão entre o indivíduo, seu grupo social e a cultura, especialmente no final do século XX. O estudo do cinema de animação experimental, em relação a essas fases, busca entender como as novas conceitualizações da arte influenciam o surgimento da arte computacional e digital, levando em consideração a experiência da produção artesanal no contexto cinematográfico. Esta pesquisa se apropria de reflexões sobre a imagem técnica, as relações entre o moderno e o pós-moderno, e o impacto das inovações tecnológicas, como o advento da câmera, na representação artística. O pós-moderno, caracterizado pela hibridação de estilos e práticas estéticas, não se configura como uma superação do moderno, mas como uma condição histórica que questiona a racionalidade da modernidade. O presente artigo explora a crítica contemporânea da arte e suas relações com o cinema de animação, destacando as tensões entre estética e juízo de valor.
Copyright (c) 2025 Natacha de Souza https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O presente trabalho foi construído a partir pesquisas realizadas para o Seminário de Estudos Avançados em Arte e Cultura, oferecida pelo Programa de Pós-graduação em Artes da Universidade Federal do Espírito Santo (UFES); tem por tema central processos simbólicos que moldam a formação do pensamento e suas implicações na construção do futuro. Para este propósito, confluímos ideias de Ailton Krenak e Roque Laraia, afim de trazer à reflexão como alternativas cosmogônicas de povos indígenas podem mudar nossa visão de mundo e estimular produções artísticas comprometidas a tensionar conceitos herdados por culturas hegemônicas.
Copyright (c) 2025 Luciano Tasso https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O presente ensaio apresenta e disseca o processo de criação e elaboração de uma obra de artes visuais, intitulada “Névoa” (2025), de Chris Coutinho. O texto detalha cada uma das etapas de construção da obra, abarca questões conceituais e práticas e estabelece relações com diferentes referências bibliográficas. O conjunto de imagens, por sua vez, apresenta a montagem da obra em etapas, sobrepondo cada uma das 8 (oito) camadas que constituem o trabalho final.
Copyright (c) 2025 Christiane de Souza Coutinho Orloski, Erick Orloski https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O presente texto revela um processo de criação artística a partir das investigações do grupo de pesquisa GEPCEAr/UFES, coordenado pela Profª Dra. Stela Maris Sanmartin. O trabalho deriva de uma ação comparativa a partir do método analogia inusual (Prado; Fernández, 2011). A escrita empreendida aproxima as 4 dimensões da criatividade, discutidas por Mel Rhodes (1961) e os ensaios sobre a imaginação da matéria, de Gaston Bachelard (1994-2019). Acredita-se que os estudos sobre criatividade e processo criativo são capazes de reverberar ações poéticas, artísticas e criativas. Nesse sentido, são desenvolvidas linhas de reflexão sobre o percurso imaginativo da presente produção.
Copyright (c) 2025 Sarah Rodrigues Damiani, Stela Maris Sanmartin https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Copyright (c) 2025 Laetitia Kozlova https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A ruptura do processo de autorregulação e preponderância da sexualidade masculina por meio de artes homoeróticas
O artigo pretende faz uma análise da produção de pinturas homoeróticas e do seu potencial comunicativo e expressivo de desejos que rompam com o imaginário heteronormativo em torno dos corpos, pensamentos, desejos e produções artísticas. Será realizado uma discussão sobre a padronização dos desejos e da autorregulação promovida pela sociedade moderna através da cultura e das promoções estatais através das teorias de Norbert Elias com o objetivo de relacionar essas questões com a produção de artes do pintor Carlos Rodriguez.
Copyright (c) 2025 Simão Pedro Santos dos Santos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
A Escola também é lugar para a “La Ursa”!
Este trabalho apresenta como uma turma do quarto ano de uma escola municipal em Abreu e Lima, PE, vivenciou o Carnaval pernambucano por meio da brincadeira da La Ursa. A metodologia adotada foi qualitativa, com enfoque descritivo, bibliográfico e com observação sistemática e participante. As aulas de arte foram conduzidas com base na Abordagem Triangular, de Ana Mae Barbosa. Como resultados, destacaram-se o desenvolvimento da empatia, do trabalho em equipe, da resolução de conflitos e da participação democrática, evidenciada pela escolha coletiva do tema.
Copyright (c) 2025 Jevison Santa Cruz https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Este artigo investiga as relações entre corpo, resistência e pensamento complexo na série “Drawing Restraint”, de Matthew Barney. A partir do referencial teórico de Edgar Morin, exploramos como o conceito de restrição é mobilizado por Barney como um elemento gerador de processo artístico, transcendendo limites disciplinares e instaurando uma poética da fricção. Com uma abordagem multidisciplinar que envolve escultura, performance e cinema, a obra é analisada como um sistema complexo em que forças físicas, simbólicas e narrativas operam de forma interdependente. O pensamento complexo permite compreender a profundidade dessas relações, revelando como a arte de Barney instaura modos de existência atravessados por resistências, transformações e tensões criativas.
Copyright (c) 2025 Gilmar Monte https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Visando o melhor desenvolvimento e a valorização do ser humano sob diversas perspectivas sociais, esta pesquisa se insere num contexto de estudo e reflexão sobre as possibilidades de aprendizagem e inclusão, especialmente no que tange à experiência perceptiva de pessoas com deficiência em relação a arte pública e a cultura local. Diante disso, foram desenvolvidas propostas arte educativas, adaptadas e multissensoriais, que propõe uma abordagem integrada as percepções sensoriais como elementos essenciais na construção do conhecimento artístico, para serem experimentadas com o público de usuários da APAE, do município de Domingos Martins. A pesquisa se insere dentro dos estudos realizados no Laboratório de Extensão e Pesquisa em Artes - LEENA/UFES, sobre arte pública capixaba, que se estende para um estudo de caso, combinada a observação participante e entrevistas com os usuários da APAE.
Copyright (c) 2025 Rosely Kumm https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Um espectador alien das obras "Sursum corda" e "Walhalla", de Anselm Kiefer
Os fatores históricos relacionados ao artista alemão Anselm Kiefer são cruciais para a compreensão de sua intuição poética. Com foco nas suas instalações "Sursum Corda" (2016) e "Walhalla" (1992-2016), este artigo busca refletir sobre a percepção de um espectador alien, desvinculado dos fatores históricos vivenciados por Kiefer, que nasceu em 1945 – último ano da 2ª Guerra Mundial –, ou a episódios semelhantes, mas também à mitologia nórdica e à liturgia cristã Católica.
Copyright (c) 2025 Samuel de Oliveira Costa https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O presente artigo, propõe uma reflexão sobre o processo de pesquisar Cinema, Arte e Cultura em tempos de desastre do Antropoceno. Partindo de uma pesquisa sobre ficção especulativa no cinema queer brasileiro contemporâneo, construo um pensamento tentacular através da criação de parentesco interdisciplinar entre diferentes conceitos como Chthuluceno (Haraway), fracasso (Halberstam), bolsa da ficção (Le Guin) vernáculos políticos (Macharia) e futuridade queer (Muñoz).
Copyright (c) 2025 Henrique Rodrigues Marques https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Sob o título “Mundos habitáveis: imagens, corpos, lugares e discursos”, o vigésimo número da Revista do Colóquio trouxe um conjunto diverso de trabalhos que discutem processos criativos e de pesquisa em contextos diversos, entre relatos de experiências práticas e elucubrações teóricas.
Copyright (c) 2025 Editores https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Na série “Desalinhamento Estrutural” (2020), apresento um conjunto de oito imagens e uma vídeo-performance. As fotografias foram organizadas em trípticos e dípticos, compondo um jogo de relações entre corpo, gesto e matéria. Na performance, meu corpo se desloca entre posições de submissão e poder, atravessado por uma linha vermelha que me veste e reveste, tensionando os limites entre interior e exterior. Essa linha, um elemento pulsante, costura olhares, corpo, carne e sangue, instaurando um círculo de gestos e confrontos.
A investigação propõe-se a examinar a construção de sentidos nas exposições a partir de abordagens contemporâneas da curadoria, ancorando-se nos referenciais de Hans Ulrich Obrist (2015), que compreende o curador como agente mediador, e de Nicolas Bourriaud (2009), cuja ênfase recai sobre a estética relacional. A partir da análise de distintas práticas curatoriais, observam-se modos diversos de produção narrativa, os quais se adaptam aos contextos específicos em que se inserem, sejam eles museológicos ou baseados em experiências em ambientes expositivos. Nesse contexto, a noção de brasilidade representa componente articulador entre obra, território e memória cultural. O estudo também explora as intersecções entre tradição e contemporaneidade, incorporando múltiplas temporalidades entre erudito e popular, configurando-se como elemento estruturante na constituição de identidades culturais e na produção de sentido no campo artístico. Destacam-se o papel das tecnologias digitais como catalisadoras de inovação nos processos curatoriais e nas práticas artísticas.
Copyright (c) 2025 Sandra Regina Bastos https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Este ensaio visual mostra parte das propostas que compõem “Caminhos da terra: memórias da materialidade” (2022), que apresentei como trabalho de conclusão do curso de Artes Visuais, na Universidade Federal do Espírito Santo. Tais propostas envolviam, principalmente, cerâmica, gravura e performance. A “Mãe Bananeira” é uma ação que realizei essa ação no segundo semestre de 2022 e foi fotografada por Matheus Bonela.
Copyright (c) 2025 Maria Angélica Pedroni https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
O espaço público na poética de Edgardo Antonio Vigo
Dentro de uma poética mais ampla, Vigo desenvolveu uma série de ações que chamou de señalamientos. Este artigo abordará o significado destas ações realizadas no espaço público, entre os anos de 1968 e 1973. Se Vigo propôs uma nova configuração da arte através da participação do público e da presença instável do autor, bem como do abandono das práticas canônicas de circulação de obras de arte em museus, prêmios e galerias, os señalamientos foram uma forma amalgamada mais ou menos estável desse programa. A presença desses elementos fica evidente quando se analisam as características de cada um, sua relação com o ambiente em que foram feitos e as repercussões que obtiveram. Da mesma forma, Vigo teorizou sobre eles, definiu-os e colocou-os no quadro da sua poética, ao mesmo tempo em que ensaiava respostas aos acontecimentos políticos do momento.
Copyright (c) 2025 Ana Liza Bugnone https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Vito Acconci e o uso do corpo como experiencia artística
Esse artigo abordará, em alguma medida, a trajetória do artista plástico norte americano, Vito Acconci, principalmente a partir de suas performances. O artista é considerado por muitos, um dos precursores da utilização do próprio corpo como objeto de experimentação artística, a chamada Body Art. Para tanto, lançaremos luz a algumas de suas produções performáticas, que, possam reforçar essa narrativa, assim como, delinearemos sua trajetória no campo das Artes, especialmente a partir do início da década de 1970, período em que, aparentemente, houve uma mudança de rumos no fazer artístico de Acconci.
Copyright (c) 2025 Giuliano de Miranda, Aparecido José Cirillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
OPAVIVARÁ! é um coletivo de arte do Rio de Janeiro que desde 2005 realiza ações em espaços públicos e instituições culturais. A partir de suas propostas, o coletivo frequentemente evidencia conflitos sociais e políticos, sem aparentemente apresentar um projeto artístico duradouro, um modo de arte refém de uma ideologia universal. Suas ações provocam outros modos de se vivenciar os espaços e realidades locais, e intencionam propor vias alternativas de interação entre indivíduos e deles com o espaço urbano. Neste artigo investigaremos como suas propostas se estruturam e, para tal, lançaremos mão de eixos teorizados por Nicolas Bourriaud e Jacques Rancière, entre outros.
Copyright (c) 2025 Lívia Fernandes Campos, Angela Grando https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Este artigo propõe uma análise da relação da subjetividade com o corpo e o vestuário na obra “O eu e o tu” (1967), de Lygia Clark, e no rascunho “Roupa de gorda para magra” (desenvolvido entre 1990 e 2000), de Elisa Queiroz. Essas produções partem do vestuário para pensar as corporeidades, abrindo caminhos para a experimentação, seja através da concretização do toque, seja através das possibilidades imaginárias de vivenciar outros invólucros materiais. Os resultados revelam a pertinência dessas proposições para a articulação da subjetividade com a coletividade.
Copyright (c) 2025 Júlia Almeida de Mello https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
“Anoitecer” é uma versão em madeira de monumento capixaba à Dona Dominga. O monumento em bronze retrata a forma geral de uma mulher idosa, pobre, negra e periférica, e sua réplica no MNBA, revela exatamente a mulher no ocaso de sua vida, sugerido no título dado pelo artista. A pesquisa se propõe adentrar no aspecto humano dos monumentos públicos, para além do concreto de sua construção. Em especial, fará uma interlocução entre o monumento a Dominga, de Carlo Crepaz e a questão do preconceito étnico-racial. A partir de Dominga, discut-se a permanência do apagamento de mulheres negras e periféricas de uma forma geral.
Revistas como a Colóquio garantem um espaço valioso para trabalhos que não apenas refletem sobre as artes, mas as conectam a questões contemporâneas cruciais, como direitos humanos, sustentabilidade, mudanças climáticas, dissidências político-sociais e transformações tecnológicas. O presente número reafirma esse compromisso, oferecendo uma ampla variedade de artigos, ensaios visuais e relatos de experiência que traduzem a vitalidade e a pluralidade do campo. Convidamos, assim, a mergulhar nas reflexões propostas nesta edição e a aproveitar a leitura como um momento de encontro entre saberes, experiências e perspectivas. Boa leitura!
Copyright (c) 2024 Rodrigo Hipólito https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Para tratar da materialidade e espaço do filme no campo das artes plásticas, é importante a aproximação e análise de algumas obras que experimentaram os limites do meio e extrapolaram a forma-cinema tradicional. Nesse sentido, os trabalhos “Cosmococa: Programa in progress” (1973), de Hélio Oiticica e Neville D’Almeida, “Chelsea Girls” (1966), de Andy Warhol, “9 Scripts from a Nation at War”, de Andrea Geyer, Sharon Hayes, Ashley Hunt, Katya Sander, e David Thorne, e “Vacuum Room”, de Aernout Mik, são aqui abordados para falarmos sobre as condições de presença e participação do público diante das telas em espaços de arte, assim como o uso dos aspectos sensórios das telas e demais elementos que compõem essas propostas.
Copyright (c) 2024 Alana de Oliveira Ferreira https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Rocky, um lutador e Dominga, uma catadora de papel!
Este artigo discute aspectos da arte pública e as relações interculturais pensadas a partir do monumento público, um localizado na Philadelphia, em homenagem a o personagem do filme Rocky: um lutador (1976), e outro à Dona Dominga, situado em Vitória. Balboa e Dominga são imigrantes e pertencem a uma camada social excluída. Estabelecemos algumas conexões entre os dois monumentos, na medida em que, para além da obra física, se estreite o diálogo em relação ao documento público e sua função amplificadora de narrativas, bem como um território fértil para debates acerca da história e da condição humana, visto pelo prisma étnico-racial comum as duas obras em contextos sociais diferenciados.
Copyright (c) 2024 Fabíola Fraga Nunes, Giuliano de Miranda, Aparecido José Cirillo https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0