Revista Farol est une publication semestrielle du programme de troisième cycle en art de l'Université fédérale d'Espírito Santo. En tant que périodique dans le domaine des Arts, cette revue se présente comme un espace complémentaire de diffusion de la production théorique sur l'art moderne et contemporain, l'Histoire de l'art et les recherches liées à ces domaines.
Les auteurs des œuvres soumises à Revista Farol autorisent leur publication sur des supports physiques et électroniques, uniquement à des fins académiques, et peuvent être reproduites à condition de citer la source. Ils attestent de leur originalité, de leur paternité et de leur originalité.
Farol Magazine, déjà reconnu comme un espace de diffusion de recherches, de réflexions et d'expériences dans le domaine des arts, célèbre la diversité des perspectives qui caractérisent la production et la pensée artistiques contemporaines. Poursuivant le partenariat établi il y a plus de dix ans avec le Séminaire ibéro-américain sur le processus créatif dans les arts – Poétique de la création, ce numéro est issu des rencontres, débats et recherches menés lors de l'édition « Poétique de la création », organisée sous forme de résidence artistique et culturelle à Vila Velha (Espagne) en octobre 2025.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Editores (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article analyse le projet Alternaria alternata d’Anna Zagrodzka, qui établit un lien entre génocide, écocide et conservation des camps d’extermination nazis. À travers l'analyse des photographies de l'artiste et des références aux humanités expérimentales et à l'ethnographie multispecies, il démontre comment l'art révèle les processus d'adaptation du vivant et contribue à une réflexion sur les scénarios futurs face aux crises environnementales et humaines.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Ewa Domańska (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article analyse le projet Alternaria alternata d'Anna Zagrodzka, qui explore les liens entre génocide, écocide et conservation des camps d'extermination nazis. À travers l'analyse des photographies de l'artiste et des références aux humanités expérimentales et à l'ethnographie multispecies, il démontre comment l'art révèle les processus d'adaptation du vivant et contribue à une réflexion sur les scénarios futurs face aux crises environnementales et humaines.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Ewa Domańska; Taynna Marino (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La polyfonctionnalité du design et l'actualité des processus haptiques
Cet essai aborde la pertinence du sens haptique et sa persistance dans la pratique du design contemporain. Il examine comment cette pratique explore la fonction des outils auxiliaires pour se consolider en tant que langage visuel autonome, tout en s'établissant comme un champ de pensée et d'action en constante expansion. La méthodologie propose une analyse qualitative et comparative, instaurant un dialogue théorique entre les concepts de multidisciplinarité, d'interdisciplinarité et de transdisciplinarité. Pour illustrer la praxis artistique actuelle, les cas de William Kentridge et de Tacita Dean sont analysés. À travers certaines de ses œuvres, il est possible d'apprécier la résistance du dessin, intégrant mémoire, matérialité analogique et corps de l'artiste. Il est conclu que le design demeure une expérience humanisante essentielle, réaffirmant le lien indissoluble entre la main, le cerveau et l'émotion dans la sensibilité contemporaine.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Mónica Elisa Contreras Godínez (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Des questions éternelles telles que sa définition, sa place, sa nécessité, sa fonction, et bien d'autres, planent sur l'art, la création artistique et la peinture – des questions qui, même lorsqu'elles semblent résolues, ressurgissent comme des spectres récurrents. Cet essai explore le fantôme que la cosa mentale (selon Léonard de Vinci, Francisco de Holanda et d'autres) a toujours sous-tendu dans la matérialité paradoxale de la peinture et de l'art en général. Après tout, matière vile comme la peinture, ou idée, esprit pur ? Ceci, à son tour, inscrit la dichotomie intelligence-stupidité dans le contexte du débat naturel-artificiel. Car n'est-ce pas le fantôme de la stupidité humaine qui plane sur l'intelligence artificielle, tout comme il plane sur toute la matérialité qui façonne les idées ? Parlons donc de fantômes à travers les films, la musique, et surtout l'art et la peinture, en questionnant leur sagesse.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Isabel Sabino (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Espace urbain et genre dans l’œuvre d’Hildegard Rosenthal et de Sonia Madrigal
Cette étude analyse les processus créatifs d’Hildegard Rosenthal et de Sonia Madrigal afin d’explorer les liens entre genre, photographie et espace urbain. À travers une analyse processuelle, elle met en lumière des procédés communs qui soulignent la construction de récits visuels où les femmes investissent la ville en tant que protagonistes, réaffirmant ainsi leur autonomie dans la production et la représentation de leurs propres images.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Cecilia Salles, Negrão Negrão (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article présente le projet SPHERA, qui explore la dimension spirituelle de la création artistique comme fondement transhistorique et transculturel de l'art. Il propose de révéler les manifestations implicites de la spiritualité dans l'art contemporain et d'établir des généalogies entre œuvres, époques et cultures. À travers une approche théorique et interprétative et l'analyse d'études de cas, il défend l'art comme processus génétique et intelligence spirituelle, redéfinissant l'art public comme pratique de régénération spirituelle et interrogeant l'usage critique de l'intelligence artificielle dans la création artistique.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : José Guilherme Abreu (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Auto-commissariat et intelligence artificielle dans les arts
Cet article présente une méthodologie d’enseignement artistique que j’ai développée, fondée sur l’utilisation de l’intelligence artificielle comme outil d’auto-commissariat et de médiation critique dans le processus créatif. J’ai mis en œuvre cette approche dans le cadre de l’atelier « Arts numériques, intelligence artificielle et nouvelles technologies » que j’ai dispensé au sein du programme de troisième cycle en arts de l’Université d’État du Minas Gerais (PPGArtes/UEMG), puis je l’ai adaptée pour la licence en arts visuels de l’École Guignard. La proposition articule des exercices tels que le brainstorming, la construction de cartes conceptuelles, l’utilisation d’un carnet de processus élargi, des simulations d’exposition et la planification de carrière avec le soutien de l’intelligence artificielle. À partir d’un retour d’expérience didactique, j’analyse l’impact de cette approche sur la formation de l’artiste contemporain, notamment en ce qui concerne l’autonomie, la conscience de sa propre poétique et la construction de parcours professionnels.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Celina F. Lage (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cette analyse de la première saison de la série de science-fiction Altered Carbon se concentre sur le personnage de Poe, une intelligence artificielle gérant l'hôtel Raven. L'objectif est d'examiner les similitudes entre ce personnage et l'écrivain Edgar Allan Poe, notamment ses récits de suspense et d'horreur – compte tenu de la symbiose existante entre l'auteur et son œuvre – ainsi que d'autres références littéraires et esthétiques. L'étude met également en lumière le concept de transhumanisme à travers l'analyse du thème central de la série : l'immortalité numérique. À cette fin, le concept de traduction intersémiotique sera appliqué – une traduction effectuée à travers différentes langues ou systèmes de signes, dans l'interprétation de signes verbaux par des moyens non verbaux ou d'un système de signes à un autre (JAKOBSON, 1969). L'étude conclut que la traduction intersémiotique de l'œuvre de Poe prouve la pérennité de son héritage.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Telma Elita Juliano Valente (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L’intelligence artificielle générative (IAG) comme machine d’adaptation
Cet article examine l’intelligence artificielle générative (IAG) en tant que système d’adaptation audiovisuelle, en analysant ses effets sur la paternité et la création à partir d’amorces textuelles. En transformant une entrée unique en images, sons et montages, l’IAG automatise les processus d’adaptation et reconfigure les récits et l’esthétique d’œuvres préexistantes. À travers un dialogue entre les études sur l’adaptation et les études critiques sur l’IA, l’article vise à étudier l’IAG comme une sorte de « machine d’adaptation », en problématisant les frontières entre création originale et recombinaison, et en mettant l’accent sur l’amorce comme opérateur sémiotique et geste de médiation.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Natacha de Souza, David Ruiz Torres (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La figure de l'illustrateur à l'ère de l'IA
Face à l'essor des illustrations dans la littérature jeunesse contemporaine, un espace-temps traversé par les outils d'intelligence artificielle générative (IAG), il convient d'examiner attentivement le réseau de possibilités créatives qu'elles offrent. Le lecteur se concentre ici sur l'illustration pour comprendre le récit, dont le sens est enrichi par le dialogue médiatisé par l'image. Dans ce contexte, la figure de l'illustrateur et sa présence profondément humaine sont mises en lumière. Ce texte souligne l'importance d'un répertoire subjectif comme composante essentielle de la création d'illustrations pour la littérature jeunesse, à travers l'analyse de deux ouvrages, l'un réalisé avec l'IAG et l'autre sans.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Maria Clara Marins Rampinelli, David Ruiz Torres (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cette recherche, qui vise à créer un outil pédagogique et culturel, porte sur le développement du jeu numérique Heróis Capixabas. Ce jeu a pour objectif la diffusion historique et artistique des monuments publics d'Espírito Santo. L'étude explore l'utilisation des technologies de l'information et de la communication (TIC) dans l'enseignement artistique et fonde sa méthodologie sur la recherche bibliographique et le développement de jeux. Il en résulte un roman visuel divisé en trois chapitres, chacun consacré à une œuvre d'art public d'Espírito Santo. Le premier chapitre, qui traite de l'origine du buste du soldat Aldomário Falcão, est actuellement en cours de finalisation. Une fois achevé, le projet devrait contribuer à la valorisation du patrimoine d'Espírito Santo et à l'intégration des technologies, de l'art et de l'éducation.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Maria Carolina Martins Afonso, José Cirillo (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce travail présente une partie des résultats d’un projet de recherche doctorale mené en parallèle d’un projet d’extension réalisé par le Laboratoire d’Extension et de Recherche en Arts (LEENA-UFES). Ce projet vise, outre l’approfondissement de l’étude technique et historiographique de la modélisation 3D, à comprendre comment l’utilisation des intelligences artificielles génératives peut contribuer à la sérialisation et au développement dynamique de modèles tridimensionnels destinés à l’impression. Cet article explore ainsi les origines de la modélisation 3D dans le contexte de la Guerre froide aux États-Unis, en retraçant son développement historico-scientifique du milieu du XXe siècle à ses applications les plus récentes. Nous chercherons également à identifier les points de convergence entre l’application de la modélisation 3D comme technique sculpturale contemporaine et le processus d’intégration des intelligences artificielles génératives dans la création sculpturale.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : João Victor Silva Fernandes (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce texte propose une exploration des contributions possibles des artistes visuels aux domaines de la science et de la technologie, à partir de l’expérience d’une artiste travaillant dans un laboratoire de microbiologie amazonien. L’analyse s’appuie sur la proposition cosmopolitique d’Isabelle Stengers, qui invite à considérer les relations complexes à l’œuvre dans l’échange de connaissances entre des domaines apparemment divergents, tels que l’art et la science. Cette étude se fonde sur les concepts opérationnels de poétique visuelle et de processus créatifs, envisagés comme une force esthétique permettant la construction d’alliances cosmopolitiques. Ces alliances visent à élargir les frontières disciplinaires dans la production du savoir et à utiliser la cosmopolitique amazonienne pour redéfinir les frontières entre art, science, technologie et image.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Fernanda de Souza Oliveira, Cesar Baio (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article explore les possibilités de transformer le cimetière Santo Antônio de Vitória (ES) en un site touristique grâce à l’application de technologies immersives. Parmi celles-ci, l’utilisation de casques de réalité augmentée pour créer des parcours d’interprétation et le recours à l’intelligence artificielle pour « animer » les monuments funéraires, créant ainsi un environnement ludique, pédagogique et interactif. Le projet vise à redéfinir la mémoire collective par la médiation culturelle numérique, en renforçant la préservation du patrimoine et le potentiel touristique du lieu. Pour étayer cette approche, des documents photographiques, une analyse interprétative des éléments sculpturaux et une revue bibliographique de revues spécialisées ont été rassemblés, aboutissant à une lecture critique du patrimoine. L’étude de terrain a également pris en compte les infrastructures, l’accessibilité et la sécurité, orientant la formulation de propositions initiales en vue d’un éventuel accord entre la mairie et l’Université fédérale d’Espírito Santo.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Isis Santana Rodrigues, Jan Clefferson Costa de Freitas, Thaís Thomaz Bovo (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L’utilisation de la télévision 3.0 dans la diffusion et l’enseignement des arts
Cet article analyse le potentiel de la télévision numérique interactive (TVI), dans le contexte du Système brésilien de télévision numérique (SBTVD), lors de sa transition vers la TV 3.0, comme outil de diffusion culturelle et d’éducation artistique au Brésil. La recherche envisage la technologie non seulement comme un support technique, mais aussi comme un dispositif sensoriel capable de promouvoir l’innovation pédagogique et la démocratisation de la culture. S’appuyant sur les concepts de convergence des médias, de cyberculture et de poétique de la création, elle examine l’intégration entre art, technologie et éducation. Son rôle dans l’enseignement à distance, l’inclusion sociale et la valorisation de la diversité culturelle est mis en lumière. L’étude présente la TVI comme un outil stratégique pour des pratiques pédagogiques interactives et des expériences esthétiques contemporaines.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Enyo Soares Pereira, Leandro Lesqueves Costalonga (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article explore la transformation de l’atelier en tant qu’espace de création artistique, induite par le passage du physique au numérique, en lien avec le corps créatif de l’artiste. Il s’appuie sur des expériences et des réflexions théoriques issues du champ de l’art contemporain, en observant des appareils électroniques tels que les téléphones portables et les tablettes qui, dépassant la simple perspective d’outils technologiques ou d’appareils numériques, fonctionnent en pratique comme de véritables ateliers portables. Cette accessibilité, tout en élargissant les conditions de création, révèle également des contradictions en permettant la production dans tous les lieux et « non-lieux », au sens où l’entend Marc Augé (2009). Le texte cherche à comprendre comment l’environnement influence directement le corps créatif, modifiant ses comportements et, par conséquent, les œuvres artistiques qu’il produit, en dialogue avec les écrits de Sandra Rey (2002), Cecília Almeida Salles (2011) et Byung-Chul Han (2015).
Flávia Maria de Brito Pedrosa Vasconcelos
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Andressa da Silva Freitas, Flávia Maria de Brito Pedrosa Vasconcelos (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce texte examine, d’un point de vue sociologique, la crédibilité historique de la photographie en tant que forme de témoignage visuel face aux angoisses contemporaines suscitées par les images de synthèse produites par l’intelligence artificielle. À travers une réflexion théorique et conceptuelle, il soutient que cette crédibilité résulte de processus sociaux et institutionnels ayant stabilisé un pacte de croyance photographique. Dès lors, les notions d’alibi photographique et de pacte de croyance photographique sont proposées pour comprendre la reconfiguration contemporaine de la preuve visuelle. L’article conclut que le problème actuel réside moins dans la disparition de la confiance dans les images que dans l’émergence de nouveaux régimes de crédibilité visuelle.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Virgilio Libardi (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article analyse les évolutions historiques et les influences qui ont marqué les pratiques des artistes interventionnistes émergeant des interstices de l'habitat urbain, animés par l'urgence d'une survie expressive. En étudiant le graffiti, mode d'action au Brésil, comme une tactique quotidienne résiliente transformée en une proposition esthétique d'occupation, il articule l'utopie d'une expérience de la ville comme œuvre d'art revitalisée. Des nouveaux corps individuels qui ont émergé de l'intervention illégale, formant un corps collectif vibrant en (ré)existence expressive – habitant, son esthétique singulière, consolidée et récupérée –, verront aussi l'émergence de simples identités de prêt-à-porter. Cependant, c'est peut-être dans la pratique de la transformation du substrat urbain revitalisé en un collectif social refusant la domestication que son pouvoir subversif résistera à la simple fonction d'ornement dans la vitrine urbaine.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Otavio Fabro Boemer (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Le(s) corps féminin(s) dans la performance « Lovely Babies » de Márcia X.
Guidée théoriquement et méthodologiquement par l’analyse du discours à la française, dans la perspective de Michel Pêcheux et de ses rencontres et déplacements avec l’art, cette recherche s’appuie sur les interludes discursifs relatifs au féminin, au(x) corps et au(x) corps féminin(s). Elle vise à explorer la discursivisation et les significations du/des corps féminin(s) dans la performance « Lovely Babies » de l’artiste Márcia X. L’enregistrement vidéo de cette performance, réalisée en 1993, sert de matériau analytique pour la constitution du corpus discursif. Partant de la question discursive de la manière dont le(s) corps féminin(s) est/sont discursivisé(s) et signifié(s) dans « Lovely Babies », cette étude (Márcia X.) permet de visualiser la représentation discursive du corps féminin dans/avec l’art, révélant ainsi la multiplicité des significations de cette relation femme-corps-performance.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Andresa de Angeli Viotti, Lucas Benatti (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article analyse la rétrospective Hans Haacke présentée à la SCHIRN Kunsthalle de Francfort (2024-2025), en examinant le parcours de l'artiste comme pionnier de la critique institutionnelle. L'exposition témoigne de la cohérence méthodologique de Haacke dans son exploration des structures de pouvoir qui régissent l'art et la société depuis six décennies. Le texte articule les principaux axes de son œuvre : la critique du pouvoir politique et corporatif, la mise à nu des mécanismes institutionnels, la mémoire historique et la responsabilité démocratique. La rétrospective souligne à la fois l'ampleur et la complexité d'une œuvre dense et multiforme, ainsi que les défis curatoriaux liés à la synthèse de décennies d'expérimentation critique, révélant les tensions entre autonomie artistique, marché et société.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : André Arçari (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La revue Farol s'est imposée comme un instrument essentiel de diffusion de l'art et de la culture, proposant une perspective qui s'oppose à l'influence écrasante des discours dominants et qui ouvre la voie à de nouvelles lectures et à de nouveaux réseaux de savoir. Le dossier thématique de ce numéro, « Finalités possibles : Déviations contemporaines et artistes du commun », propose des lectures inédites qui, par leur convergence, tissent un réseau de significations, s'inscrivant dans un nouveau paysage et explorant les tensions liées à la notion de « commun » dans les arts. Des réflexions sur le terme lui-même et ses implications dans la contemporanéité aux expressions qui suscitent de nouveaux regards, la revue Farol produit et repense des enjeux intrinsèquement liés au champ artistique, ouvrant ainsi la voie à des dialogues potentiels avec la société.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Editoras (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Preservación de la Memoria Institucional a través de Colecciones Fotográficas
Este artículo busca destacar la importancia de las colecciones fotográficas como fuente de información para la preservación de la memoria institucional. Los objetivos específicos incluyen: definir la memoria y la memoria institucional en el campo de las Ciencias de la Información y áreas afines; examinar la historia de la fotografía y sus aspectos como documento de valor histórico y su relación con la memoria institucional en la literatura; y presentar la relevancia de la preservación de las colecciones fotográficas en las instituciones. En cuanto a la metodología, la investigación se caracteriza por un enfoque cualitativo y de naturaleza exploratoria, tras realizar una revisión bibliográfica. Se concluye que las colecciones fotográficas son de suma importancia para la preservación y difusión de la memoria institucional, que también forma parte de la memoria de todas las personas involucradas, como empleados, proveedores y clientes. También se observa que las instituciones deben prestar mayor atención a la gestión de las colecciones fotográficas, especialmente las digitales, que suelen estar desorganizadas debido a la gran cantidad de registros. Se estima que el tema de este artículo podría generar un mayor interés en la preservación de las colecciones fotográficas institucionales, lo que se traduciría en una mayor atención a las cuestiones de gestión y almacenamiento.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Rosa da Penha Ferreira da Costa, Thiago Greggory de Oliveira, Rayra da Silva Föeger, Margarete Farias de Moraes (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article propose un panorama des enjeux liés au commun dans les arts, s’appuyant principalement sur l’ouvrage *La Société de l’artiste : Activisme, mort et mémoire de l’art* de Stéphane Huchet (2023). Dans ce contexte, il explore les problématiques des artistes engagés et leurs spécificités, telles que leurs motivations et leurs stratégies, à travers différentes temporalités et guidé par des réflexions critiques et des pratiques artistiques issues de divers courants historicistes. L’article s’étend d’une fin supposée, repensable sous l’angle des finalités, aux statuts qui définissent l’être artiste, notamment à l’époque contemporaine.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Léa Araujo, Angela Grando (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L'espace public du Plan Pilote de Brasília, conçu par Lucio Costa, est protégé par un classement au patrimoine qui garantit la préservation des principes formels généraux, conformément au projet moderne. L'occupation de cet espace classé par des œuvres d'art s'est intensifiée à partir des années 1980, période durant laquelle, outre les commandes passées à des artistes modernistes, la production d'art urbain a connu un essor considérable. Dans le contexte des débats sur la fin de l'originalité et l'expansion illimitée du répertoire des techniques de création de peintures murales en plein air, différents modes d'occupation des murs de la ville ont émergé. Parmi ceux-ci, ce travail met en lumière un ensemble de panneaux aux qualités picturales, les inscrivant ainsi dans le champ de l'histoire de l'art.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Elisa de Souza Martinez (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Activisme artistique et réenchantement du monde
Cet article propose quelques réflexions, dans une perspective préliminaire, sur le tournant activiste de l’art contemporain. Il s’attache à retracer une généalogie permettant d’interpréter ce qui s’est constitué en production artistique engagée, notamment celle qui, se présentant comme « art communautaire », semble placer l’artiste dans une position de latéralité. Si les postulats d’une partie de l’art moderne se sont révélés depuis longtemps totalement inefficaces et inadéquats pour appréhender la complexité et les inégalités du monde contemporain, l’art, quant à lui, semble toujours rechercher les tonalités et les dimensions qui lui permettent, tout en garantissant sa pérennité et la pertinence des artistes, de dialoguer avec le monde et de l’écouter, dans une démarche d’enchantement de l’art et de la vie.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Luiz Sérgio de Oliveira (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article explore le lien entre image et violence, en se concentrant sur un moment et un lieu précis associés au traumatisme et à la souffrance. La discussion, qui prend pour point de départ l’image de l’implosion d’un des bâtiments du complexe de Carandiru, se réfère à la thèse de doctorat *Une poétique provisoire et l’esthétique des autres urgences : tactiques collectives pour (dés)habiter une prison pour femmes* et à l’installation participative *Le sol ne ment pas non plus* (2022-présent), fruit d’une collaboration entre le collectif Balcão da Cidadania et un groupe de femmes privées de liberté à la prison d’État pour femmes Madre Pelletier (Porto Alegre, RS/Brésil). Le thème est abordé à travers le prisme d'auteurs tels que Susan Sontag, Suely Rolnik, Sharon Macdonald, Georges Didi-Huberman, Flávio Agostini, et William Logan & Keir Reeves. Le texte conserve des éléments graphiques présents dans la thèse.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Márcia Braga (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce travail présente une autoethnographie de dix années de pratique photographique aux côtés d'une association de personnes transgenres dans l'État de Roraima. Il vise à décrire la trajectoire et à comprendre comment la photographie peut contribuer à la visibilité, à la résistance et au partage esthético-politique, en s'appuyant sur les réflexions de Jacques Rancière et Judith Butler. Il conclut par une réflexion sur l'importance de la pratique collective, de l'expérimentation esthétique et de l'affection pour l'amélioration de la pratique photographique et les luttes politiques pour la visibilité.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Elisangela Martins (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L’artivisme dans la Russie du XXIe siècle et la rhétorique de l’absurde
Cet article analyse l’utilisation de l’absurde et de l’ironie dans les œuvres des avant-gardes historiques d’Europe de l’Est, en lien avec l’art conceptuel développé de manière informelle en Union soviétique et l’artivisme contemporain. La poétique de l’absurde apparaît comme une caractéristique importante de l’art contemporain, dans ses dimensions artivistes et actionnistes, particulièrement présentes sur la scène artistique russe du XXIe siècle. L’importance de l’œuvre de Dmitri Prigov, figure emblématique de l’art informel soviétique et du conceptualisme moscovite, est mise en lumière, de même que son influence sur des collectifs artistiques tels que Voina et Pussy Riot, exemples d’artivisme contemporain. Enfin, certains aspects du travail d’artivistes comme Katrin Nenacheva et Artyom Loskutov sont abordés.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Cristina Antonioevna Dunaeva (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Par «commun», on renvoit à un type d’art qui place les artistes et le public à distance des cadres érudits qui caractérisent l’art dans son histoire. Reprenant ici quelques points d’un essai publié par l’auteur de cet article et esquissant une réflexion sur les paradoxes du concept, je soutiens la thèse d’un «commun» dont l’idéal, sociologiquement fondé sur l’idée de proximité de la vie quotidienne, véhicule encore une visée universalisante. Le concept ancien de sensus communis chez Kant permet de soutenir cette thèse, puisque tout « commun », à l’intérieur de la logique esthétique de l’expérience, crée presque explicitement un rapport d’intégration avec l’idée de communauté. Qu’il soit micro ou qu’il soit macro, le «commun» a besoin d’être pensé au-delà de la sociologie pour affirmer sa pleine appartenance au jeu esthétique comme mécanisme potentiellement unificateur des sensibilités. Une catégorie prétendûment inédite recycle des motivations anciennes.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Stéphane Huchet (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0