Revista Farol est une publication semestrielle du programme de troisième cycle en art de l'Université fédérale d'Espírito Santo. En tant que périodique dans le domaine des Arts, cette revue se présente comme un espace complémentaire de diffusion de la production théorique sur l'art moderne et contemporain, l'Histoire de l'art et les recherches liées à ces domaines.
Les auteurs des œuvres soumises à Revista Farol autorisent leur publication sur des supports physiques et électroniques, uniquement à des fins académiques, et peuvent être reproduites à condition de citer la source. Ils attestent de leur originalité, de leur paternité et de leur originalité.
Cet article analyse la rétrospective Hans Haacke présentée à la SCHIRN Kunsthalle de Francfort (2024-2025), en examinant le parcours de l'artiste comme pionnier de la critique institutionnelle. L'exposition témoigne de la cohérence méthodologique de Haacke dans son exploration des structures de pouvoir qui régissent l'art et la société depuis six décennies. Le texte articule les principaux axes de son œuvre : la critique du pouvoir politique et corporatif, la mise à nu des mécanismes institutionnels, la mémoire historique et la responsabilité démocratique. La rétrospective souligne à la fois l'ampleur et la complexité d'une œuvre dense et multiforme, ainsi que les défis curatoriaux liés à la synthèse de décennies d'expérimentation critique, révélant les tensions entre autonomie artistique, marché et société.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : André Arçari (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
La revue Farol s'est imposée comme un instrument essentiel de diffusion de l'art et de la culture, proposant une perspective qui s'oppose à l'influence écrasante des discours dominants et qui ouvre la voie à de nouvelles lectures et à de nouveaux réseaux de savoir. Le dossier thématique de ce numéro, « Finalités possibles : Déviations contemporaines et artistes du commun », propose des lectures inédites qui, par leur convergence, tissent un réseau de significations, s'inscrivant dans un nouveau paysage et explorant les tensions liées à la notion de « commun » dans les arts. Des réflexions sur le terme lui-même et ses implications dans la contemporanéité aux expressions qui suscitent de nouveaux regards, la revue Farol produit et repense des enjeux intrinsèquement liés au champ artistique, ouvrant ainsi la voie à des dialogues potentiels avec la société.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Editoras (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Preservación de la Memoria Institucional a través de Colecciones Fotográficas
Este artículo busca destacar la importancia de las colecciones fotográficas como fuente de información para la preservación de la memoria institucional. Los objetivos específicos incluyen: definir la memoria y la memoria institucional en el campo de las Ciencias de la Información y áreas afines; examinar la historia de la fotografía y sus aspectos como documento de valor histórico y su relación con la memoria institucional en la literatura; y presentar la relevancia de la preservación de las colecciones fotográficas en las instituciones. En cuanto a la metodología, la investigación se caracteriza por un enfoque cualitativo y de naturaleza exploratoria, tras realizar una revisión bibliográfica. Se concluye que las colecciones fotográficas son de suma importancia para la preservación y difusión de la memoria institucional, que también forma parte de la memoria de todas las personas involucradas, como empleados, proveedores y clientes. También se observa que las instituciones deben prestar mayor atención a la gestión de las colecciones fotográficas, especialmente las digitales, que suelen estar desorganizadas debido a la gran cantidad de registros. Se estima que el tema de este artículo podría generar un mayor interés en la preservación de las colecciones fotográficas institucionales, lo que se traduciría en una mayor atención a las cuestiones de gestión y almacenamiento.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Rosa da Penha Ferreira da Costa, Thiago Greggory de Oliveira, Rayra da Silva Föeger, Margarete Farias de Moraes (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article propose un panorama des enjeux liés au commun dans les arts, s’appuyant principalement sur l’ouvrage *La Société de l’artiste : Activisme, mort et mémoire de l’art* de Stéphane Huchet (2023). Dans ce contexte, il explore les problématiques des artistes engagés et leurs spécificités, telles que leurs motivations et leurs stratégies, à travers différentes temporalités et guidé par des réflexions critiques et des pratiques artistiques issues de divers courants historicistes. L’article s’étend d’une fin supposée, repensable sous l’angle des finalités, aux statuts qui définissent l’être artiste, notamment à l’époque contemporaine.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Léa Araujo, Angela Grando (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L'espace public du Plan Pilote de Brasília, conçu par Lucio Costa, est protégé par un classement au patrimoine qui garantit la préservation des principes formels généraux, conformément au projet moderne. L'occupation de cet espace classé par des œuvres d'art s'est intensifiée à partir des années 1980, période durant laquelle, outre les commandes passées à des artistes modernistes, la production d'art urbain a connu un essor considérable. Dans le contexte des débats sur la fin de l'originalité et l'expansion illimitée du répertoire des techniques de création de peintures murales en plein air, différents modes d'occupation des murs de la ville ont émergé. Parmi ceux-ci, ce travail met en lumière un ensemble de panneaux aux qualités picturales, les inscrivant ainsi dans le champ de l'histoire de l'art.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Elisa de Souza Martinez (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Activisme artistique et réenchantement du monde
Cet article propose quelques réflexions, dans une perspective préliminaire, sur le tournant activiste de l’art contemporain. Il s’attache à retracer une généalogie permettant d’interpréter ce qui s’est constitué en production artistique engagée, notamment celle qui, se présentant comme « art communautaire », semble placer l’artiste dans une position de latéralité. Si les postulats d’une partie de l’art moderne se sont révélés depuis longtemps totalement inefficaces et inadéquats pour appréhender la complexité et les inégalités du monde contemporain, l’art, quant à lui, semble toujours rechercher les tonalités et les dimensions qui lui permettent, tout en garantissant sa pérennité et la pertinence des artistes, de dialoguer avec le monde et de l’écouter, dans une démarche d’enchantement de l’art et de la vie.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Luiz Sérgio de Oliveira (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article explore le lien entre image et violence, en se concentrant sur un moment et un lieu précis associés au traumatisme et à la souffrance. La discussion, qui prend pour point de départ l’image de l’implosion d’un des bâtiments du complexe de Carandiru, se réfère à la thèse de doctorat *Une poétique provisoire et l’esthétique des autres urgences : tactiques collectives pour (dés)habiter une prison pour femmes* et à l’installation participative *Le sol ne ment pas non plus* (2022-présent), fruit d’une collaboration entre le collectif Balcão da Cidadania et un groupe de femmes privées de liberté à la prison d’État pour femmes Madre Pelletier (Porto Alegre, RS/Brésil). Le thème est abordé à travers le prisme d'auteurs tels que Susan Sontag, Suely Rolnik, Sharon Macdonald, Georges Didi-Huberman, Flávio Agostini, et William Logan & Keir Reeves. Le texte conserve des éléments graphiques présents dans la thèse.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Márcia Braga (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce travail présente une autoethnographie de dix années de pratique photographique aux côtés d'une association de personnes transgenres dans l'État de Roraima. Il vise à décrire la trajectoire et à comprendre comment la photographie peut contribuer à la visibilité, à la résistance et au partage esthético-politique, en s'appuyant sur les réflexions de Jacques Rancière et Judith Butler. Il conclut par une réflexion sur l'importance de la pratique collective, de l'expérimentation esthétique et de l'affection pour l'amélioration de la pratique photographique et les luttes politiques pour la visibilité.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Elisangela Martins (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
L’artivisme dans la Russie du XXIe siècle et la rhétorique de l’absurde
Cet article analyse l’utilisation de l’absurde et de l’ironie dans les œuvres des avant-gardes historiques d’Europe de l’Est, en lien avec l’art conceptuel développé de manière informelle en Union soviétique et l’artivisme contemporain. La poétique de l’absurde apparaît comme une caractéristique importante de l’art contemporain, dans ses dimensions artivistes et actionnistes, particulièrement présentes sur la scène artistique russe du XXIe siècle. L’importance de l’œuvre de Dmitri Prigov, figure emblématique de l’art informel soviétique et du conceptualisme moscovite, est mise en lumière, de même que son influence sur des collectifs artistiques tels que Voina et Pussy Riot, exemples d’artivisme contemporain. Enfin, certains aspects du travail d’artivistes comme Katrin Nenacheva et Artyom Loskutov sont abordés.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Cristina Antonioevna Dunaeva (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Par «commun», on renvoit à un type d’art qui place les artistes et le public à distance des cadres érudits qui caractérisent l’art dans son histoire. Reprenant ici quelques points d’un essai publié par l’auteur de cet article et esquissant une réflexion sur les paradoxes du concept, je soutiens la thèse d’un «commun» dont l’idéal, sociologiquement fondé sur l’idée de proximité de la vie quotidienne, véhicule encore une visée universalisante. Le concept ancien de sensus communis chez Kant permet de soutenir cette thèse, puisque tout « commun », à l’intérieur de la logique esthétique de l’expérience, crée presque explicitement un rapport d’intégration avec l’idée de communauté. Qu’il soit micro ou qu’il soit macro, le «commun» a besoin d’être pensé au-delà de la sociologie pour affirmer sa pleine appartenance au jeu esthétique comme mécanisme potentiellement unificateur des sensibilités. Une catégorie prétendûment inédite recycle des motivations anciennes.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Stéphane Huchet (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
« Un malentendu flagrant » : Réflexions postcoloniales sur Hoepla
Cet article s'appuie sur un événement télévisé néerlandais des années 1960. Lors d'une émission d'humour noir, la première femme nue est apparue à la télévision néerlandaise ; cependant, son impact a éclipsé les événements ultérieurs, qui ont révélé une réalité invisible aux Pays-Bas : la présence des Moluquois. L'article explore l'ignorance et le manque de préparation des personnes impliquées dans l'interview, ainsi que le caractère surréaliste des conditions de vie des immigrés indonésiens après la violente colonisation néerlandaise de l'Indonésie. Cet « événement » de l'émission télévisée Hoepla est analysé dans l'article à travers le prisme du conceptualisme ludique, un terme forgé par le Dr Schoenberger et appliqué à un mouvement artistique fortement présent aux Pays-Bas entre les années 1960 et 1970.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Janna Schoenberger (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
« Un curieux malentendu » : Réflexions postcoloniales sur Hoepla
Cet article s'appuie sur un événement télévisé néerlandais des années 1960. Dans une émission à l'humour grinçant, la première femme nue est apparue à la télévision néerlandaise. Cependant, cet événement a éclipsé le suivant : la révélation d'une réalité invisible sur le sol néerlandais, celle des Moluquois résidant dans le pays. L'article explore l'ignorance et le manque de préparation des personnes interviewées, ainsi que le caractère surréaliste des conditions de vie des immigrés indonésiens après la violente colonisation néerlandaise de l'Indonésie. Cet « événement » de l'émission Hoepla est analysé dans l'article à travers le prisme du conceptualisme ludique, terme forgé par le Dr Schoenberger et appliqué à un mouvement artistique important aux Pays-Bas entre les années 1960 et 1970.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Janna Schoenberger ; Léa Araujo (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Mierle Ukeles, Art de la Maintenance et le Contre-Sortilège de la Marchandise
Cet article présente les œuvres *I Make Maintenance Art One Hour Everyday* et *Touch Sanitation*, de l’artiste performeuse Mierle Laderman Ukeles. S’appuyant sur les contributions du champ interdisciplinaire récent des études sur les déchets, j’observe que les systèmes de nettoyage urbain public-privé ont inventé pour les déchets la fiction d’un « extérieur » impossible, qui chorégraphie le mouvement des biens, des personnes, des machines et des animaux à travers la ville. Dans cette perspective, et en m’inspirant d’Ursula Le Guin, je propose l’art de la maintenance d’Ukeles comme un recueil d’histoires de maintenance, un contre-Sortilège de la marchandise, ouvrant des espaces de visibilité dans le champ artistique face à l’oubli du gaspillage.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Ricardo Cabral Pereira (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce texte est un exercice d’écriture performative qui retrace le parcours de deux professeurs d’art en échec au sein du système éducatif municipal de Florianópolis (SC). Il s’inspire des écrits de Fernand Deligny, figure marquante de l’éducation et de sa critique de son caractère carcéral. Cet éducateur, qui a accompagné des jeunes marginalisés pendant plus de cinquante ans, concevait l’éducation comme un moyen de trouver des voies d’épanouissement dans des contextes d’exclusion. Écrire avec lui, c’est révéler le rôle de l’écriture et de la lecture dans l’action critique en éducation, comme outils de soutien et d’accompagnement. Chez Deligny, l’échec devient danse.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Gabriel Bonfim, Guilherme Bruschi Frizzo (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article explore les dimensions poétiques et politiques de la maternité, notamment les situations qui émergent lorsqu'on se réinvente en tant que mère et soignante à travers la création d'une œuvre artistique. Le texte aborde la conception et le développement d'une intervention artistique novatrice réinventant le minyan, rituel juif marqué par la présence masculine, qui désigne le quorum minimum de dix hommes juifs adultes requis pour une prière publique. La proposition consiste à composer un minyan exclusivement féminin, réinventant et actualisant les traditions, et cherchant ainsi à y trouver des significations en lien avec les enjeux contemporains. Pour ancrer ces approches, des liens sont établis avec le féminisme juif, notamment à travers l'œuvre de l'artiste plasticienne Mierle Ukeles et des salonnières juives allemandes et autrichiennes, ainsi qu'avec les concepts proposés par les auteures Natalie Wichmann et Charlotte Burns.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Viviane Gueller (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Genèse et expansion du collectivisme artistique brésilien au début des années 2000
Cet article analyse la genèse et l’expansion du collectivisme artistique à São Paulo au début des années 2000. Nous cherchons à comprendre comment les pratiques collaboratives, les résidences d’artistes et les actions militantes, ainsi que les mouvements de lutte pour le droit au logement, ont façonné de nouvelles relations entre art et politique. La recherche s’appuie sur des documents, des témoignages d’artistes et une bibliographie critique. Nous démontrons comment ce collectivisme émergent a établi un champ d’action esthétique et sociale qui combine expérimentation esthétique et lutte pour les droits.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Pedro Caetano Eboli Nogueira (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Le laboratoire Casa Río et ses archives « Voix de La Plata »
Cet article analyse l’articulation entre art et territoire à partir de l’œuvre « Living Rivers », présentée lors de l’exposition « The Earth Will Not Abide » (Chicago, 2017). L’étude met en lumière comment les pratiques artistiques situées peuvent contribuer à rendre visibles les conflits socio-environnementaux dans les bassins du Mississippi et du Plata, territoires impactés par l’agro-industrie et les logiques extractives transnationales. Elle soutient que « Living Rivers », en mobilisant des cartographies collaboratives et des récits locaux, fonctionne comme un outil critique de lecture territoriale. L’article aborde également le développement du projet dans les archives du laboratoire Casa Río, qui constituent un répertoire de mémoire et de résistance communautaire.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Paola Fabres (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Cet article analyse l’installation Lote Bravo (2005) de l’artiste mexicaine Teresa Margolles, créée en réaction aux féminicides de Ciudad Juárez. Il s’agit de comprendre comment l’artiste transforme la matérialité de la mort en un dispositif mémoriel sensible et politique. L’œuvre déplace des corps historiquement invisibles dans l’espace du commun, remettant en question la banalisation des violences de genre. L’approche s’appuie sur les travaux de Judith Butler, María Lugones et Jacques Rancière, et met en relation des concepts tels que la précarité, la colonialité de genre et le partage du sensible. Lote Bravo reconfigure la visibilité des vies précaires, convertissant le deuil en un geste politique. On peut donc conclure que l’œuvre de Margolles propose une esthétique de la mémoire qui remet en question la normalisation des violences faites aux femmes dans le nord du Mexique.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Sheila Cabo Geraldo, Karenn de Amorim e Souza (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
De quoi d'autre pourrions-nous parler ? Nettoyage
L'œuvre d'art ¿De qué otra cosa podríamos hablar? Limpieza, de l'artiste mexicaine Teresa Margolles, est à l'origine de cette critique d'art, qui s'attache à comprendre la proposition éphémère et publique formulée dans le cadre de la Biennale de Venise (2009). Dans une invitation ouverte à la réflexion, ce texte met en perspective les angoisses et les extases du monde de l'art contemporain avec les gestes des sujets dans le monde des expériences sociales, au sein du poids de la violence. À cette fin, nous articulons une multiplicité de voix, telles que celles de Margolles, Medina, Mondzain, Bauman et Danto, qui, selon nous, éclairent les pratiques d'une micropolitique singulière où s'entremêlent les réalités de l'art et la moralité de l'artiste.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Bárbara Mol (2026) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Excentricité territoriale et programmatique : trois programmes d’art public au Portugal
Cet article présente trois programmes d’art public mis en œuvre au Portugal depuis 2018, dans des petites villes et des zones rurales. Il s’agit des programmes « Poldra » à Viseu, « Desencaminharte » dans la région du Haut-Minho et « Experimenta Paisagem » dans le centre du pays. Ces programmes mettent en lumière une tendance de l’art public de ces dernières décennies et une série d’exemples internationaux, marqués par la recherche de territoires excentriques et une approche du paysage non urbain. Il convient également de souligner le lien entre ces pratiques et les objectifs de développement régional et touristique, ainsi qu’un engagement en faveur de la durabilité, confirmant la multiplicité des acteurs impliqués et l’instrumentalisation sociale de l’art pour répondre aux intérêts et aux besoins de la population.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Laura Oliveira Castro (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce dossier thématique s'inscrit dans le cadre des débats académiques du 1er Symposium sur les Paysages Fluviaux, né de la nécessité de comprendre les relations esthétiques et urbaines qui entourent le développement de l'art et de la ville dans le contexte des principales villes riveraines, telles que présentées par les principales villes de l'Espírito Santo et nos partenaires brésiliens, portugais et espagnols.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : José Cirillo (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
C'est avec grand plaisir que nous présentons le numéro 32 de Farol, une publication qui s'affirme comme une plateforme incontournable de réflexions interdisciplinaires sur les arts, l'architecture, l'urbanisme et la philosophie politique. Ce numéro, riche d'une diversité thématique et géographique, offre un panorama stimulant des préoccupations contemporaines, invitant les lecteurs à se plonger dans les débats urgents sur l'identité collective, l'espace public, la mémoire et les relations complexes entre société et environnement.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Editores (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Nous, singulier pluriel (fragments d'une conversation)
Cet essai philosophique examine la nature problématique du pronom « Nous » en tant que concept politique et ontologique contesté. S'appuyant sur la notion de « singulier pluriel » de Jean-Luc Nancy, le texte critique les identités collectives figées (nationales, ethniques ou idéologiques) comme réductrices et exclusives. Il explore la tension entre le besoin d'articulation communautaire pour l'action politique et les risques d'homogénéisation, soulignant comment « Nous » oscille entre potentiel émancipateur et appropriation coercitive. Des penseurs contemporains tels que Judith Butler, Tristan Garcia et des théoriciens de l'écologie (par exemple, Baptiste Morizot) nourrissent les discussions sur les collectifs fluides, l'intersectionnalité et les alliances non humaines. L'auteur défend le « Nous » comme une pratique ouverte et procédurale, ancrée dans l'action partagée et non dans l'identité, pour naviguer dans des sphères publiques fragmentées, l'interdépendance écologique et la responsabilité éthique face à la polarisation.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Rodrigo Rebelo Silva (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Ce n'est pas une question de femmes : « Same Old West »
Cet article analyse de manière critique les dynamiques de masculinité hégémonique dans le film « Same Old West » (2024), en les reliant aux débats sur la nécropolitique (Mbembe), le nécrobiopouvoir (Bento) et la décolonisation du genre (Preciado). Il démontre comment la violence masculine opère comme un rituel autodestructeur face à l'incapacité à gérer ses émotions et maintient des micro-souverainetés sur la vie et la mort. La culpabilisation des femmes pour la souffrance masculine est identifiée comme un axe structurant, lié aux discours anti-genre qui idéalisent un passé patriarcal. Nous concluons que le film expose la crise de la masculinité comme un phénomène nécropolitique, à la lumière duquel nous pouvons proposer la déconstruction des binarités et l'adoption d'épistémologies dissidentes pour surmonter les hiérarchies de genre.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Alana de Oliveira Ferreira, Fabiana Pedroni (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Essai sur une enceinte maritime : Processus de transformation de la forme et de la vie urbaines
Cet essai relie les études d’histoire urbaine au plus ancien secteur portuaire de la ville de Vitória, dans le centre historique de la capitale. Il présente, d’un point de vue historique, une documentation iconographique sur les processus de transformation de la zone, répartis en périodes allant du Brésil colonial au XXIe siècle. Considérés comme des éléments morphologiques de la ville, l’enceinte délimitée, composée des bords de la baie de Vitória, de la place Oito de Setembro et du quai commercial de Vitória, met en évidence les changements de la forme urbaine au fil du temps, inextricablement liés à la limite maritime et aux modes de vie locaux.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Martha Machado Campos (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Construction d'un système d'espaces ouverts à Colatina, ES
Cet article présente les résultats d'une recherche descriptive et analytique sur le système d'espaces ouverts de la municipalité de Colatina, Espírito Santo, en se concentrant sur la relation entre la répartition, le type et la quantité d'espaces ouverts sur le territoire, l'aménagement du territoire et le potentiel écologique de connexion de ces espaces. Les questions soulevées par la recherche sont liées à la manière dont les espaces ouverts sont traités dans la législation d'urbanisme et à la manière dont la création d'un système pourrait améliorer la qualité de l'environnement urbain. S'appuyant sur les principes de l'écologie du paysage, l'étude propose une méthodologie pour classer les espaces ouverts et créer un système qui priorise les connexions entre eux, stimule le flux écologique et la régénération des écosystèmes, et contribue à l'amélioration de l'environnement urbain.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Renata Mattos Simões, Eneida Maria Souza Mendonça (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Retour à Tlalocan : Divinités, activisme et symboles ancestraux de l’eau dans l’art mésoaméricain actuel
Ce texte propose une réflexion sur la réactivation des savoirs ancestraux, notamment d’origine mexica, liés à l’eau – un élément central des visions du monde autochtones – à partir de propositions d’art et d’architecture contemporains développés en Mésoamérique, en particulier au Mexique. Ces œuvres évoquent des divinités aquatiques et d’anciennes technologies durables, établissant un dialogue avec le climat contemporain et l’activisme autochtone. La recherche cherche à établir des liens entre des œuvres qui intègrent des symboles, des mythes et des techniques traditionnelles pour dénoncer les problèmes environnementaux. À cette fin, elle adopte des outils d’analyse issus des études postcoloniales, féministes et visuelles. Ces approches s’appuient sur des références historiques et culturelles issues des civilisations originelles, élargissant ainsi la compréhension des processus créatifs et de leurs répercussions sociales et écologiques.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Renata Ribeiro dos Santos (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Horizons liquides : Art public et transformation culturelle en marge
Cet article propose une réflexion sur l’art public contemporain dans les territoires fluviaux et côtiers, autour de trois axes : cartographies sensibles des marges ; installations sous-marines et art relationnel ; et le monument comme geste symbolique face au changement climatique. Des œuvres emblématiques sont analysées, telles que le Trottoir de Copacabana de Roberto Burle Marx ; Fragment de salon réduit à 88 % (2001) de Mark Manders ; les passerelles flottantes de Christo et Jeanne-Claude ; et les musées sous-marins de Jason deCaires Taylor. Ces expériences sont complétées par l’installation COP 30 : Le futur en suspension, conçue par la chercheuse comme un art public situé et sensible à l’urgence environnementale. Dans toutes ces œuvres, l'art apparaît comme un dispositif esthético-politique qui réinscrit des significations dans les territoires des marges – marines ou fluviales –, activant des souvenirs, des affections et des possibilités de réenchantement du monde. En engageant le corps et le collectif, ces pratiques artistiques élargissent le champ symbolique de l'espace public et contribuent à imaginer de nouveaux pactes entre la société et la nature.
Merci de créditer les auteurs lors de toute citation : Giovana Aparecida Zimermann Zimermann (2025) https://creativecommons.org/licenses/by-nc-sa/4.0
Au bord du fleuve : Réflexion sur les berges et lettres d’amour au Rio Doce
Ce texte aborde l’impact de l’effondrement du barrage de Samarco (MG) en 2015 sur le Rio Doce, soulignant les ravages environnementaux et sociaux causés par la contamination par les déchets miniers. Le paysage riverain, autrefois marqué par l’affection et la subsistance, est devenu un écosystème malade, rendant les activités traditionnelles non viables et polluant les ressources en eau. Il aborde également le projet artistique « Monuments d’amour au Rio Doce » (2018-2020), mené par Piatan Lube, qui a collecté des lettres auprès des communautés touchées de l’Espírito Santo. Cette initiative utilise l’art comme un activisme pour dénoncer les crimes environnementaux et reconstruire la mémoire collective, redéfinissant ainsi la relation entre culture, nature et résistance.